С миру по рецепту

Рецепты народной медицины

Подписаться на новости










 

Полынная настойка на холстах дега мане пикассо


5 великих полотен, посвященных абсенту

3 июля, 2011

Информация о том, что полынный напиток вдохновлял великих творцов на создание великих картин, всегда стоит в первых рядах перечня фактов об абсенте. Винсент Ван Гог, Эдуард Мане, Пабло Пикассо, Эдгар Дега и Виктор Олива – в пятерке известнейших абсентистов. Их полотна с изображением абсента – в числе шедевров мирового искусства.

Винсент Ван Гог,
“Натюрморт с абсентом”

В 1887 году гений и абсентист Тулуз-Лотрек создал портрет другого гения и не менее известного почитателя напитка Зеленой Феи Ван Гога. В этом же году сам Винсент Ван Гог увековечил на полотне графин с водой и бокал с зеленовато-желтой жидкостью, которая давала творцу необычное видение мира в желтом цвете, ужасала галлюцинациями. Абсент разрушал сознание Ван Гога, но чем больше он чувствовал себя разбитым и больным, тем больше, по его словам, он становился художником.

 

 

 

 


Эдуард Мане,
“Любитель абсента”

За воспевание образа нравственного падения человека Эдуарда Мане ругали все – от Кутюра до Бодлера. Картину “Любитель абсента” не восприняли так, как ждал того художник.

 

 

 

 

 

 


Пабло Пикассо,
“Любительница абсента”

У Пикассо далеко не одна картина посвящена абсенту. В июне 1901 года гений продемонстрировал на суд ценителям прекрасного свою “Любительницу абсента”. В отличие от холстов других художников, знавших толк в абсенте, у Пикассо дама пьет полынный напиток с сахаром, а не просто разбавляя его водой. Осенью 1901 года Пабло Пикассо продолжает абсентную тему и создает другую “Любительницу абсента” (второе название картины “Аперитив”). Эта картина хранится в Эрмитаже.

 

 

 

 


Эдгар Дега,
“Абсент”

Бокал с абсентом – перед актрисой, звездой кабаре Эллен Андре. Бокал со средством от похмелья – перед художником Марселеном Дебутеном. Картина Дега вызвала шквал негативных откликов, современники великого художника увидели в полотне пошлость и безнравственность. Сейчас картина находится в Музее Орсе в Париже.

 

 

 

 

 


Виктор Олива,
“Пьющий абсент”

Чешский модернист увлекся абсентом в Париже. Самое известное свое полотно “Пьющий абсент” Олива создал в 1901 году. В наши дни картину с мило общающимися господином и Зеленой Феей можно увидеть в Праге, в кафе “Slavia”

 

 

Метки: абсент

АБСЕНТ - ЗЕЛЕНАЯ ФЕЯ ПАРИЖСКОЙ БОГЕМЫ

Абсент полынная горькая настойка с очень высоким содержанием алкоголя, которая благодаря своему изумрудному цвету получила название «Зелёная фея». Наверное, нет иного напитка, который бы настолько прочно ассоциировался с французской богемой. Не зря классики литературы посвятили этому культовому напитку тысячи строк, великие художники изображали его на своих полотнах, и даже в кинолентах столетней давности можно отыскать кадры с абсентом. Но, как многие легенды и мифы, абсент таит в себе и зловещий оттенок.

Абсент, подобно спиртным напиткам виски и джину, начинал свою историю, как лекарственное средство. Изобретенный в 1792 году неким доктором Пьером Ординьером, абсент поначалу использовался во французской колониальной армии в качестве антималярийного средства. Но некоторые особые свойства сделали его привлекательным для абсентщиков (или абсентистов) – людей, злоупотреблявших абсентом в быту.
Известно, что в состав абсента входят анис, фенхель, мята, мелисса, дягиль и другие травы. Однако важнейшим его компонентом является полынь. Даже название абсента происходит от латинского наименования полыниArtemisia absinthium, что совмещает имя богини Артемиды, священным растением которой считалась полынь, и греческое определение « apsinthion», означающее «не питьевой».

Полынь содержит большое количество туйона – вещества, оказывающего сильное воздействие на головной мозг. К тому же, для удержания эфирных масел требуется высокая концентрация алкоголя, почему абсент имеет крепость около 70 градусов. При таком сочетании этот напиток может дурманить сознание и вызывать необычные ощущения, и даже галлюцинации. Это вторая причина, почему коварный абсент прозван «зеленой феей».

Впрочем, многих представителей творческой богемы это не пугало, а, скорее напротив, притягивало. Известная картина «Пьющий Абсент» чешского художника Виктора Олива́ (1861—1928), которая висит на стене исторического кафе «Slavia» в Праге, как бы визуализирует это свойство абсента, к которому Олива́ пристрастился, переселившись в Париж.

Абсент был музой и «любовницей» многих поэтов и художников, начиная с 18-го века. К колдовскому зелью полынной настойки благоволили такие мастера слова и кисти, как Шарль Бодлер, Мопассан, Тулуз Лотрек, Пикассо, Моне и многие другие выдающиеся творческие личности. Свое вдохновение они часто черпали в абсенте, стирая грань между реальным и «абсентным» миром. Зависимость от этого «кокаина XIX века» знаменитый английский философ, писатель и эстет Оскар Уайльд обращал в «романтические теории»:

Нет ничего более поэтичного в мире, чем бокал абсента. Я приравниваю удовольствие от абсента к удовольствию от созерцания заката, – писал Оскар Уайльд. – Если вы выпьете достаточно этого напитка, то увидите все, что захотите, – прекрасные, удивительные вещи 

С тех пор абсент ассоциируется с fin-de-siècle, декадансом 90-х годов XIX века, звездным часом абсента, когда все зеленое считалось изысканным, а абсенту приписывали способность наделять человека необычайной остротой ощущений, ясным и ярким восприятием мира.

Абсент напиток горький, поэтому традиционно в него добавляли сладкую воду. Происходило это так: в рюмку наливали одну часть абсента, затем сверху на поверхность клали длинную и узкую лопаточку с узорчатыми отверстиями, а на нее – 1-2 кусочка сахара. Затем на сахар тонкой струйкой лили холодную воду, от которой он медленно таял, и в бокал стекала сладкая вода. Это классический французский способ употребления абсента. Другие способы предполагали поджигание сахара пропитанного напитком для образования сладкой карамели.

  

Подготовка ароматного напитка, церемонии и этикет были затейливым ритуалом, в честь которого во Франции издавались плакаты, открытки и даже почтовые марки. Многие из них были сделаны в жизнерадостном, веселом ключе.

  

В кафе, где собирались любители абсента, царила более куртуазная атмосфера, которую удачно передавал на своих полотнах Жан Беро́ — французский салонный живописец-импрессионист, приобретший известность жанровыми работами, изображавшими жизнь парижского светского общества. Присутствие женских образов на многих его картинах, запечатлевших парижские кафе, не случайно. Париж конца XIX века был наводнен разными дурманящими веществами, некоторые из них были весьма популярны у экзальтированных светских дам. Модным десертом была клубника в эфире. В моде был и морфин, который в среде богемной интеллигенции считался признаком прогрессивных взглядов. Лучшие ювелиры продавали «феминам» изысканные серебряные и позолоченные шприцы. Александр Дюма сокрушался, что морфин быстро становится «женским абсентом». Но настоящим «женским наркотиком» был все-таки абсент. Об этом свидетельствуют картины Жана Беро.

 

 

Достоянием истории так же стали картины — «Любитель абсента» Мане, «Абсент» Дега  (изначально называлась «Эскиз французского кафе») и «Любительница абсента» испанца Пабло Пикассо. Примечательно, что абсент для Пикассо стал частью урбанистического, «современного» мира, противостоящий натюрмортам Матисса и Сезанна. Самый яркий абсентовый его шедевр – скульптура “Стакан абсента” (1914). Пикассо сделал 6 бронзовых копий скульптуры, каждая из которых расписана по-своему.

 

Французский художник-постимпрессионист Тулуз-Лотрек тоже регулярно употреблял абсент. Обычно в конце дня он выходил «задушить попугая» — выражение, бытовавшее на Монмартре и означавшее «выпить бокал абсента». Сплетничали, что художник-калека изготовил из своей трости флягу, которую заполнял волшебным напитком.
О картинах Тулуз-Лотрека говорили, что они целиком написаны абсентом. Еще утверждают, что именно благодаря этим полотнам к полынной настойке пристрастился Винсент Ван Гог. В 1887 году он даже увековечил рюмку с абсентом, которая, по его словам, «так же поэтична, как и все в этом мире».
Но уже через год он набросился на своего друга Поля Гогена с бритвой в руках, после чего врачи поместили его в палату для буйных больных. Исследователи склонны считать, что проявление агрессии было вызвано частым употреблением абсента, а немало искусствоведов полагают, будто именно галлюцинации от абсента стали источником цветовых оттенков на картинах гения. «Дорога с кипарисом и звездой» (1890) стала одной из последних картин, написанных им в лечебнице.

 

Вопреки восторженному отношению к абсенту большинства представителей богемы, одержимых идеей Бодлера, что сей напиток «дарит жизни радостный окрас и освещает темные закоулки бытия», злоупотребление им заканчивалось весьма плачевно.
И все же конец 80-тых во Франции был для абсента звездным часом. Абсентомания тогда достигла такого размаха, что время между пятью и семью часами вечера называли не иначе как l’heureverte (зеленое время). В эти часы на улицах Парижа, от Латинского квартала до Монмартра, в воздухе витали пары полынного напитка, а популярные городские кафе были заполнены потягивающими изумрудную жидкость представителями модернистской богемы.

Испытывая новые горизонты чувственности и вдохновения, напиток в разные времена не обошли вниманием Эмиль Золя, Модильяни, Виктор Гюго, Ремарк, Эрнест Доусон и Эдгар Алан По. Последний был алкоголиком и часто пил смесь абсента и бренди . На недолгое время, к концу жизни, Эдгар По смог отказаться от пьянства, но приятели снова соблазнили его, и вскоре он умер в больнице Вашингтонского университета, страдая галлюцинациями и белой горячкой.

Одной из одиозных личностей того времени был Альфред Жарри (Alfred Jarry, 1873—1907). Этот французский драматург вошел в историю мировой литературы как автор одной пьесы «Король Убю», написанной не без влияния абсента. Вторая часть пьесы представляла собой едкую сатиру на сытую, бесящуюся с жиру Францию. Современники «не поняли» автора, который, подобно Рембо или Лотреамону, вместо отражения безмятежной атмосферы «прекрасной эпохи», предвосхищал бунтарский дух наступивших времен.
История же рассудила иначе: гротескно-комический фарс, написанный Жарри в 1896 году, стал культовой пьесой начала XX века.
Не понятый и не принятый высшим светом, автор превратил свое существование в сознательный и жестокий хэппенинг, шокирующий светское общество. По Франции ходили легенды о его публичных выходках и экстравагантном образе жизни. Конечно, все его попытки пробиться к успеху и вырваться из кабалы долгов оказались безуспешны.
Последние семь лет жизни Жарри – это годы его быстрого и едва ли не сознательного самоуничтожения. Известный французский поэт-авангардист Гийом Аполлинер говорил, что Жарри на голодный желудок выпивал стакан абсента на половину с уксусом, добавив туда каплю чернил, утверждая, будто это улучшает его пищеварение.
По свидетельствам подруги Жарри, писательницы Рашильд — “день Альфреда начинался с того, что он поглощал два литра белого вина; между десятью и двенадцатью часами следовали друг за другом три порции абсента; за обедом он запивал рыбу или бифштекс красным или белым вином, чередуя его с новыми порциями абсента…Он был настолько пропитан эфиром, что это чувствовалось на расстоянии. Он ходил, словно лунатик…. Думаю, что он умер задолго до своей физической смерти, и, как он сам однажды решился написать, его распадавшийся мозг, словно какой-то механизм, продолжал работать по ту сторону могилы».
Признание Альфред Жарри получил после смерти, когда его творчество было заново открыто Аполлинером и движением сюрреалистов. В 1926 году знаменитый актер и драматург Антонен Арто создал свой модерновый театр, посмертно назвав его именем Альфреда Жарри — первого «бунтаря французской сцены».

Не менее печальна и судьба его тезки, французского поэта, драматурга и прозаика, одного из крупнейших представителей романтизма Альфре́да де Мюссе́ (1810 -1857). Известно, что он тоже постоянно отравлял себя абсентом и, спившись, умер в довольно молодом возрасте.

Символика зеленого цвета абсента занимает особое место в творчестве великого французского поэта Артю́ра Рембо́ (1854- 1891). Там, где у него возникает зеленый цвет, почти непременно создается аллюзия с пьяным застольем, которое воспринимается как символ покоя и счастья (поэма звуков «Гласные»). А в знаменитом стихотворении «Сестры милосердия» он поминает абсент, как свою «зеленую Музу«.
Сонет появился по следам путешествия юноши по южной Бельгии, где он посещал «Зеленый кабачок» — постоялый двор в г. Шарлеруа. Как вспоминают современники, в этом кабачке всё — от стен дома до мебели — было выкрашено в зеленый цвет. В пять часов пополудни наступал так называемый «зеленый час», час аперитива, когда постоянные посетители питейных заведений усаживались за столики пить абсент.

Его друг Поль Верлен — богемный поэт Парижа, воспевавший этот напиток во времена своей молодости, напишет в своей автобиографической «Исповеди»(1895): «Что за идиот окрестил его волшебным, зеленой Музой?!«. Он проклинал мутно-зелёную жидкость и называл абсент «зелёной ведьмой», требовал наложить запрет на этот «источник безумия и преступлений, идиотизма и позора». Такое резкое отношение к абсенту выработалось у него из-за собственной страсти к этому напитку. На архивных фото, сделанных в парижском кафе, он вечно сидит за фужером абсента.

 

Человек возвышенный и чуткий, в моменты абсентного затмения, он нападал на свою жену, стрелял из револьвера в своего друга Рембо, с ножом в руках требовал деньги у престарелой матери. В то же время, по свидетельству его друзей, даже на смертном ложе у него под подушкой была спрятана бутылка абсента. «Зеленая ведьма» просто так не отпускала своих поклонников.
Сложные, двусмысленные отношения Рембо и Верлена показаны в талантливом фильме Агнешка Холланд «Полное затмение» (1995). Главные роли в нем исполнили Леонардо Ди Каприо (Артюр Рембо) и Дэвид Тьюлис (Поль Верлен).

 

Кстати, первое упоминание абсента в кино состоялось во французской короткометражке 1899 года «La Bonne Absinthe». Любопытно, что эта лента была поставлена первой в мире женщиной-кинорежиссером Элис Гай.
В современном кино абсент чаще всего фигурирует как стремление автора подчеркнуть эстетство или декадентские мотивы. В фильмах ужасов он исполняет роль элемента, близкого к готической субкультуре, ярким представителем которой является рок-исполнитель Marilyn Manson. Многим известно пристрастие Мэрлина Мэнсона к абсенту. Сам он часто говорил о влиянии этого напитка на свое творчество. Мэнсон даже выпустил абсент Mansinthe. При цене 41 доллар за бутылку, крепость напитка составляет 66,6 градусов, что весьма символично, учитывая тягу Мэнсона ко всякой чертовщине. На одном из плакатов эпатажный шоумен держит отрезанное человеческое ухо с намеком на поступок обезумевшего от абсента Ван Гога.

 

Но даже в фильмах ужасов подчеркиваются пагубные для здоровья свойства абсента. Так, в фильме братьев Хьюз «Из ада» (2001) главный его герой — инспектор Фред Эбберлайн (Джонни Депп) под воздействием абсента видит образы жертв Джека Потрошителя. А в мистической драме ирландского режиссёра Нила Джордана «Интервью с вампиром» (1994), снятой по мотивам одноимённого романа, вампир Лестат (Том Круз), испивший кровь «заражённую» экстрактом горькой полыни, чувствует острое отравление, грозящее его жизни.

 

Следует сказать, что часть французского общества уже в то время стала демонизировать этот колдовской аперитив. Ими провозглашалось, что по своей природе этот напиток близок к вермуту, по происхождению – к джину, а вот по духовному содержанию – к дьяволу. Некоторые сравнивали абсент с зельем доктора Джекила и полагали, что полынный напиток является «гением для бездарей и убийцей настоящих гениев».
И в самом деле, все больше людей, употреблявших напиток, проявляли признаки «абсентизма» – неадекватного поведения и временного помешательства. Некоторые даже кончали жизнь самоубийством. Напиток стали считать своеобразной путевкой в сумасшедший дом, называли зеленым проклятием Франции. Медики забили тревогу, назвав абсент главной причиной алкоголизма.
В начале XX века вся благоразумная часть общества ополчилась против него. Организовывались целые коммуны противников абсента, проводившие городские митинги и издававшие антиабсентные плакаты, на которых изображали казнь «зеленой ведьмы». Здоровой альтернативой абсенту рекламный плакат «La Kolamarque» представлял кока-колу.
(почти как в фильме «Лимонадный джо», с его ироничной пропагандой пить колу вместо виски. Только тут было все серьезно).

Но и тогда находились идейные защитники абсента. Одним из ярых защитников проклинаемого напитка был видный идеолог оккультизма XIX—XX века, английский поэт, маг и сатанист Алистер Кроули (1875-1947). В двадцатом веке его имя стало практически синонимом магии.
Во славу абсента Кроули посвятил много своих произведений. В своем эссе «Зеленая богиня» он оправдывает абсент и говорит о том, что нельзя оценивать его по его недостаткам и злоупотреблениям им.
«Мы же не проклинаем море, где бывают кораблекрушения, и не запрещаем лесорубам использовать топоры только из сочувствия к Карлу I или Людовику XVI. С абсентом связаны не только особые пороки и опасности, но и милости и добродетели, которых не даст никакой другой напиток«.

В поэтике Кроули абсент кажется вовсе не алкогольным напитком, а чем-то вроде амаранта, неувядающего цветка, символизирующего бессмертие. Хотя, как мы уже убедились, это далеко не так.

“Что делает абсент особым культом? Так и, кажется, будто первый изобретатель абсента действительно был волшебником, настойчиво искавшим сочетание священных зелий, которое бы очищало, укрепляло и одаряло благоуханием человеческую душу. Несомненно, если пить абсент правильно, добиться этого нетрудно. От одной порции дыхание становится свободней, дух – легче, сердце – горячее, а душа и разум лучше выполняют те великие задачи, для которых они, возможно, и созданы Творцом».

Но защитить «магический абсент» не удалось по совсем «земным причинам». Он стал жертвой своей собственной популярности. Некоторые производители в погоне за прибылью начали выпускать более дешевые аналоги напитка, разводя его крайне вредным для здоровья человека медным купоросом, что было необходимо для придания дешевой подделке зеленого цвета. Фальсификаторы использовали низкокачественный спирт с большим содержанием метанола и сивушных масел, маскируя запах резко-пахнущими травами. Участившиеся отравления облегчили европейским правительствам запрет абсента. Его назвали главной причиной алкоголизма начала века. Вначале запрет на абсент ввела Швейцария в 1907 году, затем в 1915-ом Франция, а следом и большинство европейских стран. Так что взлет популярности абсента длился всего лишь десятилетие перед забвением на долгих сто лет, в течение которых многие литераторы с ностальгией вспоминали о нем.
Например, ирландский поэт, лауреат Нобелевской премии по литературе 1923 года Уильям Йейтс писал в связи уходом абсента: «Потом в 1900 году все спустились с ходулей, и больше никто не пил абсент с черным кофе, никто не сходил с ума».
А исследователь Робер Бюрнан вообще считал исчезновение абсента симптомом культурного упадка:

«Дух бульваров мертв. Где теперь снова найдешь время, чтобы бродить, мечтать, оттачивать мысль, пускать стрелы?… Абсент, волшебный абсент Зеленого часа, нефритовый цветок, который цвел на каждой террасе, восхитительно отравлял парижан, по крайней мере, давая им богатое воображение, в то время как другие коктейли вызывали тошноту без восторга»

.
Возможно, заклинаниями ностальгирующих страдальцев был вызван дух абсента в наше время: в начале XXI века совершенно неожиданно на прилавках винных бутиков Европы абсент появился вновь, правда облегченный и обновленный до неузнаваемости.

Еще вам могут понравиться статьи

полынная настойка, 6 букв, сканворд

полынная настойка

Альтернативные описания

• анисовая настойка, ликер, аперетив

• напиток, запрещенный в начале XX в. в Бельгии и Италии

• крепкий напиток с вкусом полыни

• настойка или ликер с анисовым ароматом

• на этикетках бутылок с этим напитком часто можно увидеть Винсента Ван Гога

• настойка полыни

• картина французского художника Э. Дега

• водка, настоянная на полыни и мяте

• настойка на полыни

• водка-настойка на полыни

• водка полынной «национальности»

• его капли в песне Ираклия

• полынное горячительное

• водка полынного разлива

• горьковатый полынный ликер

• вино с привкусом полыни

• полынная водка

• алкоголь из полыни

• водка с полыннм рецептом

• настойка на полыне

• горьковатая полынная настойка

• водка с полынным привкусом

• спиртное из полыни

• алкоголь с ароматом полыни

• настойка с полынной горечью

• «Xenta» в бутылке

• водка из полыни

• жгучий напиток богемы

• водка с полынным рецептом

• водка на полыни

• водка с полынным уклоном

• водка полынной «принадлежности»

• Полынная водка

• Спиртной напиток, настойка на полыни

«Любительница абсента» Пикассо – История одного шедевра:

Сюжет

В темном зале ресторана средь веселья и обмана показывает Пикассо любительницу абсента. Погруженная в себя, она совершенно безразлична к происходящему. Тело ее, словно, стало монолитом, который мерно покачивается в такт приходящим и уходящим мыслям и образам.

«Любительница абсента», 1901. (wikipedia.org)

Абсент, стоящий на столе, — своего рода портал в мир забвения, где отступают тревоги дня, болезни и страх. Алкоголь не решает сложностей — утром на похмельную голову вновь обрушатся все те же передряги, — но он отключает героиню от реальности.

«Любительница абсента», 1901. (picassolive.ru)

Тот мир, который мы видим на полотне, — это одновременно и интерьер одного из многочисленных дешевых кафе на Монмартре, и пространство фантазии. Зритель теряет связь с реальностью, как и любительница абсента. Используя клуазонизм — уплощающую манеру живописи, — Пикассо переключает наше внимание на нематериальный мир.

«Абсент», 1901. (wikipedia.org)

Контекст

Полотно создано под влиянием Поля Гогена, Анри Тулуз-Лотрека, Эдуарда Мане, Эдгара Дега. По сути, все современники, к началу XX века успевшие заявить о себе, так или иначе, процитированы. Это касается и стилистики, и сюжета: тема одинокого человека, оказавшегося за бортом и ищущего забытья, облегчения душевной боли в рюмке, была очень популярна в конце XIX века. У самого Пикассо существует несколько интерпретаций сюжета, почти копирующего «Любительницу абсента».

Эдуард Мане «Любитель абсента», 1859. (wikipedia.org)

Эдгар Дега «Абсент», 1876. (wikipedia.org)

Поль Гоген «Кафе в Арле», 1888. (wikipedia.org)

«Абсент», 1901. (wikipedia.org)

В какой-то мере эта картина — портрет души Пикассо. Нищета, отсутствие заказов, смерть близкого друга Касагемаса, общая неустроенность стали испытанием, преодолевая которое живописец, конечно, мог точно так же искать забвения в рюмке. Тема одиночества и опустошенности вскоре зазвучит в голубом периоде, для ее раскрытия Пикассо будет писать равных ему по статусу представителей низов — нищих, бродячих артистов, проституток, бездомных.

Пабло Пикассо «Арлекин и его подружка. Странствующие гимнасты», 1901. (wikipedia.org)

Пабло Пикассо «Женщина с шиньоном», 1901. (wikipedia.org)

В это время художник был настолько беден, что у него даже не было холста. Для «Любительницы абсента» он взял прежнюю работу, замазал ее и воспользовался обратной стороной. В результате цвета звучат матово, приглушенно — как усмиренная на время тоска героини. Загнанная, зажатая, она стискивает себя руками, так неестественно сплетенными.

Судьба художника

Пабло Пикассо родился в 1881 года в Малаге. По легенде, младенец был так слаб, что акушерка уже было подумала, что он мертв. Но дым от сигары дяди, стоявшего рядом, пробудил ребенка.

Отец Пикассо был художником и решил пристрастить к тому же занятию и сына. Наверняка вскоре он пожалел о своей затее — ребенок проявил столь впечатляющие способности, что с годами отец и вовсе отказался от живописи — не выдержал конкуренции.

Обладая классической испанской вспыльчивостью, Пикассо не тратил времени на обуздание нрава. Любое слово критики в его адрес вызывало гнев. Это было основной причиной незаконченного образования и частых конфликтов Пикассо с людьми.

Из Малаги он переехал в Барселону, где ему было все же тесно, а затем — в Париж. Здесь же в 1901 году состоялась первая выставка Пикассо. Конечно, провальная — провинциал-испанец не воспринимался серьезно взыскательными парижанами. Для самовлюбленного и амбициозного юноши это фиаско было испытанием потруднее нищеты. Но и его он преодолел.

Автопортрет, 1901−1902. (wikipedia.org)

В Париже художник жил в районе, где было опасно появляться на улицах одному и без оружия. Но такие мелочи только накаляли атмосферу и заряжали Пикассо жаждой жизни. В те годы он позволял себе все: любовницы сменялись одна за другой, связи с мужчинами, алкоголь, опиумные запои. С наркотиками было покончено только после самоубийства художника, повесившегося от нищеты. Пикассо испугался, что, будучи в наркотическом опьянении, он рискует перейти черту и поддаться отчаянию.

Для Пикассо не было жанровых рамок. Он работал с любым материалом, который мог помочь выразить идею. Тот же абсент и его любителей художник не только писал, но и лепил. Также Пикассо известен как график, дизайнер, специалист по керамике, костюмер и декоратор, поэт и драматург. Как человек, чье становление пришлось на смену веков, он был универсальным артистом, который, с одной стороны, намеревался затмить предшественников, с другой, — был погружен в поиски нового визуального языка. Это объясняет и частоту, с которой он менял стили. Традиционно принято выделять 11 периодов творчества Пикассо: ранний, голубой, розовый, африканский, аналитический кубизм, синтетический кубизм, классицизм, сюрреализм, предвоенный, послевоенный, поздний. Как-то художника спросили, какой из периодов ему ближе. На это Пикассо растопырил пятерню и ответил: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»

Пикассо был переполнен энергией. У него было несколько жен, несчетное количество любовниц и любовников, законные и внебрачные дети. Живописец говорил: «К несчастью, а может, и к счастью, я смотрю на вещи через призму любви». С возрастом он выбирал дам все моложе, повторяя: «Если я живу с юной, это помогает и мне оставаться юным».

Пикассо приписывают десятки тысяч работ. Точно же оценить масштаб его художественного наследия не может никто — цифры варьируются от 20 тыс. до 100 тыс. картин.

10 шедевров Пабло Пикассо - πάπυρος — LiveJournal

1. "Абсент". 1901 г

Техника: Бумага, уголь, пастель, гуашь
Размеры: 65,2 х 49,6 см
Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Картина была создана в 1901 году. Пикассо использовал следующую технику при творении: бумага, пастель, уголь и гуашь. На данный момент «Абсент» находится в коллекции Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
На картине мы видим человека, который, не спеша, пьет свой придающий силу напиток. Томящий взгляд героя картины, суматоха и шум от толпы веселящегося народа сливается в одно целое, чье очертание и окраску становится тяжело разобрать. Дым и шум – все это, вроде, и близко, но, с другой стороны, оно где-то там так далеко, оно вовсе не волнует душу. Остался один собеседник в виде бокала и наполняющего его напитка. Возможно, человек на картине грустит, тоскует о чем-то, возможно, просто расслабился от ежедневной суматохи. С каждым глотком его уносит куда-то, мысли становятся легкими, и он забывает обо всем…

Абсент приобрел особую популярность среди творческой богемы. Как всем нам известно, все творческие люди любят что-то необычное и неординарное, может быть, поэтому их притягивал ритуал по потреблению абсента, а возможно, и сам необыкновенный вкус, зеленоватый цвет напитка, а также его возбуждающее действие. Но, как бы ни было, считали, что абсент пробуждает в человеке новое восприятие мира, приносит творческое вдохновение, а также необыкновенные ощущения и чувства.

Пабло Пикассо застал "цветущий" период абсента, он, как и многие другие именитые художники, запечатлел неотъемлемость данного напитка от повседневной жизни многих людей. Помимо картины «Абсент», в 1901 году по данной тематике он создал еще такие знаменитые картины, как "Любительница абсента" и "Пьющая абсент". Все эти творения относятся к "Голубому периоду".

В чем была популярность абсента на то время? Почему многие творцы в своих шедеврах упоминали о данном напитке?

Даже существовал слух, что после одного выпитого стакана абсента женщина становится гораздо желанней и привлекательней. Данный напиток пили и восхваляли, а художники увековечивали его в своих картинах, поэты и писатели — в своих произведениях. Все они, без исключения, называли абсент "Зеленой Музой".

Итак, любители «Зеленой музы» - это целая серия в искусстве от Мане и Тулуз-Лотрека до Гогена, Ван Гога, Дега и Пикассо. Все они пили абсент, любили этот напиток, писали о его любителях. Согласитесь, что во всем этом была какая-то завораживающая тайна.

2. "Первое причастие". 1896 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 118 х 166 см
Коллекция: Барселона, Музей Пикассо


Картина «Первое причастие» была создана 15-летним Пикассо по совету отца для Выставки изящных искусств в Барселоне в 1896 году. В это время Пабло учился в Школе изящных искусств Ла-Лонха. Один из его преподавателей Гарнело Альда (1866–1944), весьма успешный испанский художник, специализировался на живописи «высокого» академического исторического жанра, что предполагало в том числе создание картин и на религиозно-мифологические сюжеты. В его мастерской было собрано множество необходимых для подобной работы предметов: церковные одеяния, потиры, подсвечники, своеобразные «декорации», имитирующие алтарь, церковную паперть. Так как Гарнело Альда являлся коллегой дона Хосе Руиса (и андалусцем по происхождению), юному художнику было позволено воспользоваться этой студией. Картина не была отмечена премией на выставке, ее никто не купил, но тем не менее Пабло получил заказ от женского монастыря в Барселоне на несколько картин религиозного содержания. К сожалению, эти работы погибли во время антимилитаристского и антиклерикального восстания в Каталонии в июле 1909 года. В этот период было сожжено около 50 церквей и монастырей, в том числе и обитель, где хранились картины Пикассо.

Пикассо никогда не был набожным, религиозным человеком (по крайней мере, в традиционном понимании этого слова). Тем не менее, в его ученических рисунках 1895–1896 годов довольно много сюжетов из жизни Иисуса (трапеза в Эммаусе, Тайная вечеря, Распятие и т.д.), Благовещение, немало изображений святых – св. Себастьяна, св. Петра, св. Антония Падуанского. Столь активного и амбициозного молодого художника не могли не интересовать средства выразительности и иконографические схемы, которыми пользовались великие мастера прошлого: эта своеобразная «пища» для его личного творческого роста, перевариваясь практически до неузнаваемости, постепенно формировала художническую индивидуальность Пикассо. Много лет спустя автор многих статей и книг о мастере Пьер Дэкс (р. 1922), знавший Пикассо более четверти века, спросил его, не сожалеет ли он о том, что писал картины, подобные «Первому причастию». И Пикассо ответил ему: «Не заблуждайся, для меня тогда это было очень важно».

3. "Любительница абсента". 1901 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 73 х 54 см
Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж


Во французском искусстве начала XX в. интерес к «порочным» персонажам был велик, у Пикассо много предшественников, особенно надо отметить влияние Тулуз-Лотрека. Во многих произведениях живописи звучит тема абсента, напитка, ставшего своего рода фетишем Парижа рубежа веков. Этой крепкой полынной настойке, «зеленой фее», приписывались особые качества: якобы приохотившиеся к ней люди страдают не от простого алкоголизма, а от особой «возвышенной» его формы, и погружаются в мир галлюцинаций и фантазий. Так что тематически Пикассо пока движется в рамках «мейнстрима» эпохи. Однако в образах, созданных молодым художником, есть обостренный драматизм. Так, в этом полотне особенно бросается в глаза гипертрофированная кисть правой руки, которой погруженная в свои мысли женщина словно пытается обхватить и защитить себя.

«Любительница абсента», хранящаяся в Эрмитаже, написана позже, осенью 1901 г. Картина имеет и другое название – «Аперитив». Источником нынешнего ее наименования стала запись в архиве Канвейлера, где полотно обозначено как «Женщина с бокалом абсента» (La femme au verre d`abssinthe). Именно у Канвейлера купил эту работу наш соотечественник – Сергей Иванович Щукин. Он познакомился с Пикассо еще в 1905 или 1906 г., но принял его творчество не сразу. Впервые он купил картину художника в 1909 г., а уже к 1914 г. в его коллекции было 51 произведение мастера. Собрать столько работ ни удалось, пожалуй, больше ни одному частному коллекционеру. После революции С. И. Щукин эмигрировал, а его собрание, национализированное в 1918 г., разделили между собой Эрмитаж и ГМИИ.

4. "Девочка на шаре". 1905 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 147 х 95 см
Коллекция: Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина


Об этой картине искусствоведы всегда говорят: легкость и гибкость девочки-акробатки, балансирующей на шаре, противопоставлена массивности и устойчивости куба, на котором восседает атлет-богатырь. Также общепризнано, что Пикассо – преимущественно мастер формы, это его главный художнический интерес, самая важная проблема, которую он решает в своем творчестве. Потому особенно занятно, зная, к чему этот интерес привел позже, посмотреть, с какой трогательной и виртуозной констатации очевидного Пикассо начинал свой путь. Нежные жемчужные, розовые, голубые тона, новое ощущение воздуха, пространства позволяют считать «Девочку на шаре» одним из шедевров «розового периода».

Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову. До этого полотно побывало в коллекции Гертруды Стайн, откуда перешло в галерею Канвейлера. Именно у него в 1913 г. работу купил Морозов, заплатив за нее 16 000 франков (в 1906 г. Пикассо был счастлив, когда Воллар приобрел у него 30 картин за 2000 франков – так переменчива судьба художника). Личная коллекция И. А. Морозова (как и собрание С. И. Щукина) была национализирована в 1918 г.

5. "Женщина-цветок (Франсуаза Жило) ". 1946 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 146 х 89 см
Коллекция: Частная коллекция


Пикассо уже несколько лет знаком с молодой художницей Франсуазой, у них роман, и Пикассо все время стремится сократить дистанцию. Наконец, он уговаривает Франсуазу переехать к нему, и в мае 1946 она поселяется на улице Великих Августинцев. Пикассо воодушевлен, он реагирует серией портретов Франсуазы - именно в эту весну рождается образ Франсуазы как "женщины-цветка", который потом будет обыграваться во множестве картин. Интересно, что зеленый цвет "волос" Франсуазы на этом портрете был спровоцирован Матиссом. Незадолго до этого Пикассо возил её знакомиться с мэтром, и тот сразу же представил, каким мог бы быть его собственный портрет Франсуазы. Пикассо был взбешен - кто-то посмел вообразить, что может писать ЕГО модель!

6. "Летящий голубь (голубь мира)". 1952 г

Техника: Литография
Размеры: 54,9 x 76,2 см
Коллекция: Частная коллекция


В конце 1940-начале 1950-х годов Пикассо делает серию литографий с изображением голубей, которые стали символом движения за мир - эти изображения были размещены на ряде плакатов Всемирных конгрессов сторонников мира, проходивших в послевоенное время в Европе. Все эти работы были широко известны как "голуби мира" Пикассо. Между тем Пикассо рисовал своих голубей не столько для защитников мира, сколько исходя из собственного личного отношения к этим птицам. Он всю жизнь держал голубей, получив прививку любви к ним ещё в детстве - его отец держал голубятню и рисовал своих птиц, он был художником-анималистом. Маленький Пабло играл с голубями чуть ли не с младенчества.

7. "Желтый пикадор". 1889 г

Техника: Дерево, масло
Размеры: 24 x 19 см
Коллекция: Частная коллекция


Маленький Пабло начал выказывать любовь к рисованию уже с трех лет. В Малаге, где прошло раннее детство Пикассо, мальчик уже пробует писать маслом. "Желтый пикадор" считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал в 8 лет под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.

8. "Обнажённая, зелёные листья и бюст". 1932 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 162 х 130 см
Коллекция: UK, London, Tate Gallery


Картина была продана на аукционе Кристис в 2010 году за 106.5 млн. долларов и стала самой дорогой картиной Пикассо и второй по стоимости в мире после работы "Крик" Эдварда Мунка (119.9 млн. долларов).

Картина была написана за один день, 8 марта 1932 года, в рамках подготовки большой выставки Пикассо по случаю его 50-летия. За год до этого прошла выставка Матисса (по случаю 60-летия), с которым Пикассо всю жизнь состязался. Кроме этой работы, в 1930-1932 годы Пикассо написал ещё несколько полотен с Мари-Терез, которые стали признанными шедеврами не только периода сюрреализма, но и вообще всего его творчества. Период его самой чувственной и запретной любви нашел отражение в велколепных полотнах - Чтение, Сон, Девушка перед зеркалом.

9. "Поцелуй". 1969 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 130 x 96 см
Коллекция: Частная коллекция


Картина написана в период подготовки большой выставки Пикассо в Авиньоне. Он чрезвычайно много и плодотворно работает в этот год. Другой его знаменитый Поцелуй, в голубых тонах, хранится сейчас в Музее Пикассо в Париже. Тот сделан в жанре парного портрета, а эта зеленая картина - из разряда жанровой живописи. Любовники на природе, среди деревьев. Мужчина в соломенной шляпе, частый персонаж картин позднего периода, на этот раз изображен в тельняшке. А мы знаем множество исторических фото, где Пикассо запечатлен именно в таком виде. 23 июня 2010 в Нью-Йорке на аукционе Кристис была продана за $18,0 млн.

10. "Купальщицы". 1918 г

Техника: Холст, масло
Размеры: 27 x 22 см
Коллекция: Париж, Музей Пикассо


Написана в Биаррице, летом 1918, во время медового месяца с Ольгой Хохловой. Друг и творческий партнер периода кубизма Жорж Брак ушел на фронт. Круг общения Пикассо расширился, кроме парижской богемы Пикассо вращается в театральной среде, оформляя балет для труппы Дягилева. Знакомство с Ольгой Хохловой, балериной труппы, привело к женитьбе.

Абсент - запретный напиток безумцев.

О, болезненные и сладостные времена: безумный Ван-Гог, несчастный Тулуз Лотрек, гениальный мальчишка Артюр Рембо - и - рюмка с мутновато-зеленой жидкостью. Жидкость называется абсент. Чертовски горькая полынная настойка, крепостью от 40% до 75%, открывающая у человека третий глаз, если уверовать в поэтические фантазии.

Напиток декадентов, поэтов и извращенцев. Главные действующие ингредиенты абсента - спирт и туйон. Первый - сильный депрессант, второй - наоборот, стимулятор.

Наиболее вероятно 'Apsinthion' – производное слова абсент, греческое значение которого 'непригодный для питья', возможно из-за его горького вкуса. В состав абсента, кроме экстракта полыни, входят экстракты аниса, фенхеля, мелиссы и других лекарственных трав. Для удержания эфирных масел в растворённом виде требуется высокая концентрация спирта, поэтому абсент имеет крепость до 70-75%. Важным компонентом этого напитка является монотерпин (туйон). Кроме полыни, туйон содержат пижма, шалфей, туя. (Своим названием туйон обязан именно туе, из которой он впервые был получен).

Фармацевтам и аптекарям хорошо известна достаточно ощутимая горечь абсента — artemisia abstintium, разновидности полыни, растущей преимущественно в горах. Это растение фигурирует в фармакологии как средство от высокой температуры, дизентерии и обычное общеукрепляющее. Абсент издавна входит в состав многочисленных настоек и эликсиров.
Рецепт абсента был разработан в Швейцарии французским эмигрантом доктором Ординером и в следующем году продан им Анри–Луи Перно, который построил в Кювэ перегонный завод, и вскоре еще один абсент, основным ароматизирующим веществом которого являлся анис, познал быстрый и ошеломляющий успех.

В России, как ни странно, абсент пока разрешен. Вместе с русскими его вполне легально испивают чехи и граждане Швейцарии (вероятно, закусывая абсент самым-самым дырявым сыром). И испивают, если верить, историкам, не первую тысячу лет.

Еще египтяне были ого-го! Они знали и ценили полынную настойку. Но ценили не за "мультики", а за целебные свойства, коими эта настойка обладает. Гиппократ советовал принимать ее на грудь при болезни этой самой груди. И при ревматизме, желтухе, анемии, и в яростно-критические дни. То есть, когда все настолько плохо, что водка не спасет.

Вначале абсент получали путем перегонки полынного, анисового и других спиртовых настоев, например, кориандра, укропа, дягиля лекарственного, корицы, гвоздики.

Чуть позже родился абсент, в котором анисовая нота стала фундаментальной, вытесняя ноту полынную. Для придания напитку воистину упоительного колора, абсент начали подкрашить хлорофиллом. Во-о-от откуда этот язвительно-изумрудный цвет, так подходящий для окраса того самого третьего глаза...

Техника его употребления превратилась в своеобразный ритуал:

6 способов употребления абсента

1 способ (Традиционный/Французский.)

Льют холодную воду через кубик сахара, лежащий на специальной дырявой ложечке.

Вода растворяет сахар, который смешивается с абсентом. Сладкая вода помогает скрыть горький вкус абсента. Существует мнение, что сладкая вода является катализатором действия туйона. Когда вода смешивается с абсентом, напиток мутнеет и приобретает радужный белый цвет с оттенками зелёного и жёлтого цвета.

Такой эффект получил название louche. Помутнение происходит из-за того что разбавленный водой спирт не в состоянии удерживать эфирные масла, содержащиеся в абсенте, и они выпадают из него. Наилучшим соотношением для разбавления абсента водой считается 5 частей воды к 1 части абсента.

2 способ:

Маленькая рюмка с абсентом ставится в более крупный пустой стакан, и воду медленно наливают в рюмку, от чего жидкости смешиваются и переливаются в большой стакан. Когда в рюмке остается практически чистая вода, жидкость в большом стакане готова к употреблению.

3 способ (Пражский):

абсент наливают в стакан, потом в него погружают чайную ложку сахара. Пропитанный абсентом сахар поджигают от спички и дают ему прогореть, пока он не превратится в карамель. Ложку растаявшего сахара затем опускают в абсент и размешивают. Затем из графина или второго стакана в абсент наливают столько же или чуть больше воды, заливая огонь. Поджигание абсента в стакане несколько понижает его крепость.

4 способ (Русский):

Сахарный сироп делается отдельно, смешавая сахар с водой. Потом сироп и абсент разбавляются в подходящей пропорции. Это самый действенный и простой способ смягчить вкуса абсента.

5 способ (простой):

Можно пить абсент в чистом виде, сильно охлажденный в рюмках не более 30 грамм.
Для закрепления эффекта процедуру нужно повторить 4-5 раз, с интервалом в 5 минут. Только через минут 20 вы сможете понять, на каком свете находитесь.

6 способ (сложный):

2 стакана - коньячный и снифтер, некрупный кусочек сахара-рафинада, 100 грамм абсента, крупное блюдце, 3-4 салфетки и трубочка - вот всё, что нам понадобится для «непростого» вкушения абсента. Заготовленный абсент наливается в коньячный бокал. Бокал наклоняется на 25-30 градусов и пытаемся зажечь его содержимое. Если он сильно охлажден, то без кусочка сахара ничего не получится. Кусочек сахара устанавливается на краю наклонённого бокала. Когда он слегка пропитается абсентом его нужно поджечь. В течении 3-4 минут нужно будет сохранять горение. Далее резким движением жидкость выливается из коньячного бокала в снифтер, а сам бокал ставится ножкой кверху на заранее припасенное блюдечко, накрытое двумя салфетками. В течение 10-15 секунд жидкость должна отстаиваться. В случае возгорания снифтера, его нужно затушить оставшимися салфетками. Кульминация: чуть-чуть приподнимаем один край коньячного бокала, засовываем туда трубочку и делаем хорошую "затяжку". После чего приводим бокал в исходное положение и сразу же вливаем в себя все содержимое снифтера. Можно запить водой.

Чувствуя в успехе абсента, отобравшего 30% французского винного рынка, угрозу своим интересам, производители вин создали целый союз для борьбы с ним. Во время первой мировой войны, в марте 1915 г., враги абсента добились запрета на его производство и продажу на всей территории Франции.

Обвиненный во всех грехах и даже в том, что он содержит яд, абсент во Франции оказался преданным забвению. В то же время в Испании и в Швейцарии он свободно производится, и там не отмечается каких-либо случаев его вредного воздействия...
Но в наши дни в России и в странах Евросоюза в законном абсенте должно быть не больше или 10 мг на килограмм туйона. Марка "Hill's", например, содержит чисто символическую дозу в 1,8 мг (в то время как "Sebor" и "King of Spirits", по всей видимости, содержат все 10). От такого, видимо, не заглючит. Быстрее напьешься в доску. Цивилизованный мир предпочитает психодеп

Путеводитель по импрессионизму | Картины Моне, Дега и Ренуара

Импрессионизм

Термин «импрессионист» впервые был использован как оскорбление в связи с выставкой новых картин в Париже в 1874 году. Разнообразная группа художников, отвергнутая художественным истеблишментом, демонстративно организовала свою собственную выставку. Среди них были Моне, Ренуар, Писсарро и Дега.

То, что сегодня характеризует импрессионизм для большинства людей, - это как предмет, так и техника.Типичны пейзажи и сцены из современной городской и загородной жизни, окрашенные в яркие, чистые цвета. Импрессионисты часто начинали (а иногда и завершали) свои картины на открытом воздухе, а не в студии. Их быстро наносимые мазки часто видны.

Сегодня картины импрессионистов - одни из самых известных и любимых в коллекции. Чтобы понять, насколько радикальным считалось это движение в свое время, нам требуется немного воображения.

.

Моне Пикассо | Вена

В Альбертине находится одна из самых важных коллекций модернистского искусства в Европе - Коллекция Батлинера. Его постоянная экспозиция начинается с таких художников импрессионизма и постимпрессионизма, как Моне, Дега, Сезанн, Тулуз-Лотрек и Гоген. Другие основные моменты включают примеры немецкого экспрессионизма с группами Брюке и Дер Блауэ Райтер и искусство новой объективности с работами Ваккера, Седлачека и Хофера.В центре внимания австрийского искусства - работы Кокошки и картины Эггера Линца. Огромное разнообразие русского авангарда представлено картинами Гончаровой, Малевича, Шагала.

Завершают презентацию многочисленные шедевры Пикассо, от его ранних кубистских картин и работ зрелого периода 1940-х годов до великолепных гравюр, которые еще не выставлялись, и картин позднего экспериментального периода.

Picture App: Pablo Picasso, Frauenbüste nach Lucas Cranach d.J., Juli 1958, Albertina, Wien, Sammlung Batliner © Bildrecht, Wien, 2016

.

Анализ 100 известных картин, полное собрание сочинений и биография

Самый известный сегодня своей серией безмятежных картин с водяными лилиями, импрессионист 19 века Клод Моне стал революционным прорывом в развитии выразительного искусства. На протяжении его За долгую жизнь, охватившую период с 1840 по 1926 год, Моне продвигался от рисования забавных карикатур на друзей к запечатлению неуловимых нюансов естественных сцен в различных отношениях. света и цвета.Стремясь передать свое уникальное восприятие мира природы прямо на холст, художник сыграл важную роль в создании совершенно нового направления в мире искусства.

Ранние годы: 1845-1870

Истоки реализма

Когда художнику было 11 лет, он ходил в художественную среднюю школу в своем родном городе Гавре, где начинал рисовать у Жака-Франсуа Охара. Несколько лет спустя Моне изучил искусство пейзажа от местного художника Эжена Будена, который также научил молодого художника рисовать на открытом воздухе, чтобы запечатлеть природу в данный момент.Под неформальной опекой Мастер пейзажей Йохан Йонгкинд, двое мужчин стали знатоками этого жанра.

Одной из первых картин Моне, завершенных в 1858 году, был реалистичный пейзаж под названием «Вид на Руэль в Гавре», реалистичную лесную сцену, которая сначала взгляд, мало похож на его более поздние работы. Ранние работы художника отдают дань уважения реалистической художественной школе, которая стала доминирующей в его детстве. Реагируя на романтизм, Художники-реалисты, такие как Гюстав Курбе, сосредоточились на точности в изображении своего предмета, который часто состоял из фигур рабочего класса и без украшений, природные пейзажи.

Путешествие в Париж

В течение этого периода с позднего подросткового возраста до начала 20-х годов Моне провел время в Лувре в Париже, где он встретил современных художников, таких как Эдуард Мане, который позже стану коллегами. В то время как другие художники стремились улучшить свою технику, копируя шедевры, выставленные в Лувре, Моне предпочитал зарисовывать то, что он мог видеть из окна. почитаемый художественный музей.

Chasseurs d'Afrique

Художник был призван в 1861 году в Les Chasseurs d'Afrique, отряд легкой кавалерии, направлявшийся в Алжир.Во время годичной службы у него было всего несколько возможностей рисовать, и у него было всего одно пейзаж, несколько этюдов и несколько военных портретов. Хотя ни один из них не пережил его службу, он использовал свои воспоминания об уникальном качестве света в Алжире при создании будущих работ.

Исследования с Чарльзом Глейром

Покинув дипломатическую службу в 1862 году, художник вернулся в Париж, чтобы работать в частной студии Шарля Глейра, художника исторического искусства.Он делил студию с Пьер-Огюст Ренуар, Фредерик Базиль и Альфред Сислей - все они впоследствии определят будущее направление искусства. Студенты часто брали свои мольберты и рисует на открытом воздухе и передает свои непосредственные впечатления от пейзажа на холст короткими, ловкими мазками.

Во время учебы в мастерской Глейра художник написал «Женщину в зеленом платье», портрет своей будущей жены Камиллы в натуральную величину и Женщины в саду, для которого Камилла также была моделью.Бывшая картина была принята к выставке в престижном Парижском салоне. Работа выполнена преимущественно в реалистическом стиле. стиль, лишенный сочетания ярких красок и непосредственности, которые определяли бы его более поздние работы.

Средние годы: 1871-1900

После свадьбы в июне 1870 года Моне с женой провели время в Лондоне, где художник написал такие работы, как «Гайд-парк». После этого молодожены на время поселились в Нидерландах, где Моне производил несколько произведений искусства, включая Ветряную мельницу, Амстердам и светящийся Зандам.В конце года пара вернулась во Францию, чтобы поселиться в Аржантее. правый берег Сены, пригород Парижа, где Камилла проведет практически остаток своей жизни. Художник обзавелся плавучей мастерской, где рисовал окружающий его пейзаж, а также портреты его друг Эдуард Мане и жена Мане.

Начало нового движения

К началу 1880-х годов Моне и его друзья-художники, в том числе Поль Сезанн, Камиль Писсарро, Сислей и Эдгар Дега разочаровался в ограничительных стандартах доминирующей организации искусств в Париже, L'Academie des Beaus-Arts, которая выбрала картины будут включены в ежегодные Салоны.В 1873 году они присоединились к другим коллегам-единомышленникам, чтобы сформировать свою собственную художественную организацию «Societe Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs et al. Graveurs », или Кооперативная анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов. Весной 1874 года группа организовала свою первую выставку, на которой были представлены работы 30 художников.

Моне решил показать свою картину 1872 года «Восход солнца», что оказалось роковым решением. Один из искусствоведов, обозревавших выставку, придумал термин «Импрессионизм» как насмешливая шутка после просмотра «Восхода впечатлений» и аналогичных представленных работ, утверждающих, что картины были любительскими. и незаконченный.Художники приняли новое название для своего движения и впоследствии назвали себя импрессионистами.

Как только движение приобрело имя и репутацию, сколь бы сомнительной она ни была, Моне продолжал создавать некоторые из своих самых блестящих произведений искусства, такие как «Мадам Моне и Дитя», которую он завершил в 1875 году, сцену, сияющую красотой и жизнью.

Время потери

Вынашивая второго ребенка, Камилла Моне заболела туберкулезом и, ослабленная родами, умерла в 1879 году.Картина «Камилла на смертном одре» Последняя дань уважения Моне своей жене, фигура, покрытая цветочными цветами и перистыми мазками кисти, ее лицо залито светом.

Среди работ художника после его утраты - «Серия ледоходов» - группа из десятка картин, изображающих тающие льдины на реке Сена. Приглушенные цвета, туманные настройки, обнаженные деревья и замороженные пейзажи отражают суровость видения художника, погруженного в траур.

Художника все больше увлекала мысль о том, что один и тот же пейзаж претерпевает изменения в разное время дня по мере изменения солнечного света. Он неоднократно рисовал одну и ту же сцену, чтобы запечатлеть эти нюансы на холсте. Эта идея легла в основу его «серии« Дрейф льда »», его картин «Стог сена» середины 1880-х и 1990-х годов и его потрясающего зрелища

.

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с наиболее отчетливым стилем и способностью к художественному творчеству. До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников двадцатого века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном разнообразии стилей заставила его уважать еще при жизни.После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников уменьшилось. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является одним из основателей всего кубистского движения. Кубизм был авангардным направлением в искусстве, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу.Сюжеты и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. В течение периода Примерно с 1910-1920 годов, когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновляло такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллаж. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств.Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике за счет физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях. Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Искусство - это ложь, которая заставляет нас понять правду." - Пабло Пикассо

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родные. Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первым словом было попросить карандаш.В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческого тела с живого. фигурки-модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором. Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать.Хотя картины Руиса, кажется, были созданы много лет спустя, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в возрасте всего 13 лет. В возрасте 16 лет его отправили в лучшую художественную школу Испании в Мадриде, Королевскую академию Сан-Фернандо.Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более полную запись его развития, чем, возможно, любые другие. художник. При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры.Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями. Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция.Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственные работы, чтобы сохранить тепло в квартире.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были разделены примерно на

человек.

10 фактов о Гернике Пабло Пикассо

Вероятно, самая известная работа Пикассо, Герника , безусловно, является его самым сильным политическим заявлением. в качестве немедленной реакции на разрушительные случайные бомбардировки нацистами баскского города Герника во время Гражданская война в Испании.

Герника показывает трагедии войны и страдания, которые она причиняет отдельным людям, особенно невиновным гражданское население.Это произведение приобрело монументальный статус, став вечным напоминанием о трагедиях войны, антивоенный символ и воплощение мира. По завершении Герника была представлена ​​всему миру в кратком виде. турне, став знаменитым и получившим широкое признание. Этот тур помог познакомить мир с гражданской войной в Испании. внимание.

В этой работе сочетаются пасторальный и эпический стили.Отказ от цвета усиливает драму, создавая репортаж. качество как в фотографической записи. Герника синего, черного и белого цветов, 3,5 метра (11 футов) в высоту и 7,8 метра (25,6 фута) в ширину, размером с фреску. холст написан маслом. Эту картину можно увидеть в Музее королевы Софии в Мадриде.

Толкования Герники сильно различаются и противоречат друг другу. Это распространяется, например, на фрески два доминирующих элемента: бык и лошадь.Историк искусства Патриция Фэйлинг сказала: «Бык и лошадь - это важные персонажи испанской культуры. Сам Пикассо наверняка использовал этих персонажей, чтобы сыграть много разных роли с течением времени. Это сделало задачу интерпретации конкретного значения быка и лошади очень жестко. Их отношения - это своего рода балет, который на протяжении всей карьеры Пикассо задумывался по-разному ».

Некоторые критики предостерегают от доверия политическому посланию Герники.Например, неистовый бык, крупный Мотив разрушения здесь ранее фигурировал, будь то бык или Минотавр, как эго Пикассо. Однако в этом Например, бык, вероятно, представляет собой натиск фашизма. Пикассо сказал, что это означало жестокость и тьму, предположительно напоминает его пророческое. Он также заявил, что лошадь представляет жителей Герники.

Герника - город в провинции Бискайя в Стране Басков.Во время гражданской войны в Испании он считался северным бастионом республиканского движения сопротивления и эпицентром баскской культуры, что усиливало его значимость. как цель.

Республиканские силы состояли из различных фракций (коммунисты, социалисты, анархисты и многие другие) с сильно различающимися подходами к правительству и возможными целями, но общей оппозицией националистам.Националисты, во главе с генералом Франсиско Франко, также были фракционированы, но в меньшей степени. Они стремились вернуться к золотым временам Испании, основанным на законе, порядке и традиционных католических семейных ценностях.

Около 16:30 в понедельник, 26 апреля 1937 года, военные самолеты немецкого легиона «Кондор» под командованием полковника Вольфрама фон Рихтгофена бомбили Гернику около двух часов. Германия, в то время возглавляемая Гитлером, оказывала материальную поддержку Националисты и использовали войну как возможность испытать новое оружие и тактику.Позже решающим предварительным шагом в тактике блицкрига стала интенсивная бомбардировка с воздуха.

Герника - икона современного искусства, th

.

Смотрите также

polxa reklami

Голосования

Помог ли Вам наш сайт?